Wie Hip Hop das Gesicht der Kunst veränderte: Eine neue Show in Baltimore erkundet die Geschichte

14 April

Vor fünfzig Jahren wurde Hip Hop in einem Wohnhaus in der Bronx, New York, geboren, wo ein Mann namens Clive Campbell eine Schulanfangsparty mit Künstlern, Dichtern, Musikern und Tänzern veranstaltete.

Hinter dem DJ-Pult lässt er die Klassiker der Ära fallen: James Brown, Aretha Franklin und The Meters. Aber es gibt eine Wendung: Campbell spielt zwei Kopien derselben Platte auf zwei Plattentellern, eine Technik, die als Karussell bekannt ist. Zwischen den Platten wird ein geloopter Kontrapunkt erzeugt, der einen stark perkussiven, hochoktanigen, zum Tanzen anregenden Sound erzeugt. Diese Musik, die als Musik von Schwarzen, Latinx- und Afro-Latinx-Amerikanern entstand und sich über groß angelegte Blockpartys schnell verbreitete, sollte das Gesicht von Musik, Kunst und Kultur für immer verändern.

Hip Hop und zeitgenössische Kunst im 21. Jahrhundert

Ein halbes Jahrhundert, seit Hip Hop erfunden wurde, hat das Baltimore Museum of Art (BMA) nun eine große Ausstellung enthüllt, die sich mit den konzeptionellen, kulturellen und künstlerischen Merkmalen befasst, die Hip Hop zu einem dauerhaften globalen Phänomen gemacht und in den Kanon von Hip Hop eingebettet haben Kunstgeschichte.

„The Culture: Hip Hop and Contemporary Art in the 21st Century“ zeigt mehr als 90 Kunstwerke von einigen der wichtigsten bildenden und interdisziplinären Künstlern von heute, darunter Derrick Adams, Mark Bradford, Lauren Halsey, Julie Mehretu, Adam Pendleton, Tschabalala Self, Hank Willis Thomas und Carrie Mae Weems sowie mehrere Kreative mit Verbindungen zu Baltimore und St. Louis, wie Devin Allen, Monica Ikegwu, Amani Lewis, Anthony Olubunmi Akinbola, Damon Davis und Jen Everett. Das Ausstellungserlebnis wird durch eine pulsierende Klanglandschaft, die von den in Baltimore lebenden Musikern Abdu Ali und Wendel Patrick komponiert wurde, sowie durch mehrere Outdoor-Arbeiten, darunter eine großformatige Ode an Nike Air Force 1-Turnschuhe, verstärkt.

Das Kunstwerk wird im Dialog mit Mode und Objekten inszeniert, die von Lil' Kim, Dapper Dan und Gucci und Virgil Abloh für Louis Vuitton sowie Marken wie Cross Colors und Telfar geschaffen und zu Ikonen gemacht wurden. „The Culture“ erzählt die Geschichte dieser fruchtbaren Bewegung durch Malerei, Zeichnung, Fotografie, Skulptur, Video und Installationen, die unter sechs Themen organisiert sind: Sprache, Marke, Schmuck, Tribut, Aufstieg und Pose.

„Der Einfluss des Hip-Hop ist so bedeutend, dass er zum neuen Kanon geworden ist – eine alternative Reihe von Idealen künstlerischer Schönheit und Exzellenz, die sich um die Identitäten und Geschichten der Afro-Latinx dreht – und eine, die mit dem Kanon der westlichen Kunstgeschichte konkurriert, an dem sich viele Museen orientieren und Ausstellungen zu entwickeln“, erklärte Asma Naeem, Chefkuratorin und Co-Direktorin von Eddie C und C Sylvia Brown am BMA. „Viele der überzeugendsten bildenden Künstler, die heute arbeiten, setzen sich in ihren Praktiken direkt mit zentralen Grundsätzen dieses Kanons auseinander, sowohl auf unmerkliche als auch auf offensichtliche Weise. Ob durch die Poetik der Straße, das Verschwimmen von Hoch und Tief, die Rückeroberung des Blicks, die Hommage an Hip-Hop-Genies oder die experimentelle Zusammenarbeit in so unterschiedlichen Bereichen wie Malerei, Performance, Mode, Architektur und Computerprogrammierung , die visuelle Kultur des Hip-Hop zusammen mit ihren subversiven Taktiken und ihrem Einsatz für soziale Gerechtigkeit tauchen überall in der Kunst von heute auf.'

Die Show fängt das pandisziplinäre Phänomen des Hip-Hop ein; seine Fähigkeit, High- und Low-Culture zu durchqueren, und wie es einer zeitgenössischen Landschaft zuvorkam, in der kreative Bereiche weiterhin verschwimmen und sich überschneiden.

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